AOA;87 contemporary

Cornelia Schleime (*1953, Ost-Berlin) gilt als Hauptvertreterin der zeitgenössischen fgurativen Malerei und zählt zu den bekanntesten deutschen Künstlerinnen. Vielbeachtet sind ihre eindringlich entwickelten Portraits, insbesondere von Frauen und Kindern, aber auch von Clowns oder dem Papst.

Als Künstlerin will Cornelia Schleime die Grenzen zwischen Außen- und Innenwelt aufheben. "Halt gibt mir das Unvorhersehbare, Irrationale, Fragile, Zufällige, Eruptive“. Schleime spielt mit Vorurteilen und provoziert, indem sie brisante Fragen aufwirft. In Interviews spricht sie über ihre Erfahrungen mit sich-verstellen und sich inszenieren. Die dualistischen Konzepte ihrer Werke rühren von einer neusachlichen Auffassung. Die Gleichzeitigkeit von Nähe und Distanz oder aber auch Topoi wie »zwischenmenschliche Kälte« und »unbeschränkter Verkehr«. Der für die Neue Sachlichkeit zwischen den beiden Weltkriegen charakteristische, spielerische Umgang mit Zitaten scheint angesichts von Schleimes Werk nach wie vor aktuell zu sein, ebenfalls die ständige Rückgewinnung des Figürlichen. Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Seit 1986 war Schleime in über 200 Gruppen- und über 80 Einzelausstellungen zu sehen. Ihre Bilder befnden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden oder der Sammlung des Deutschen Bundestags.

Das Leitmotiv der Ausstellung ist das Gemälde Bat Madonna, 2022. Das Gemälde lehnt sich an Raffaellos Meisterwerk „Madonna del Cardellino“ („Madonna mit dem Stieglitz“, 107 x 77 cm) aus dem Jahr 1506-07, der Zeit der italienischen Hochrenaissance an. 

Das Gemälde Christo dei palloncini, 2018 korrespondiert inhaltlich mit dem Marienbild. Es zeigt einen gepeinigten Jesus mit Dornenkrone, dessen eindrucksvollstes Attribut, das Kreuz, spurlos verschwunden ist. In der Haltung des Gekreuzigten hält er Luftballonsträuße in beiden Händen. Ein blauer Himmel bildet den Hintergrund. Im Gemälde lässt sich nicht entscheiden, ob Jesus aufsteigt oder fällt oder in der Luft steht. Ein wahrhaft transzendierender Moment für den Betrachter, getreu der lateinischen Sentenz aus dem 1. Brief der Korinther, Kap. 2, Vers 9: Oculus non vidit, nec auris audivit. („Was das Auge nicht gesehen, noch das Ohr gehört hat.“).

Dieses Werk ist auch als NFT erhältlich. 

Eine weitere biblische Szene wartet auf in unerwarteter Besetzung – La Pietà di John Lennon, 2022. Auch im Tod hält Yoko Ono ihren Partner John Lennon in ihren schützenden Händen. Ihre Liebe scheint derart grenzenlos zu sein, dass sie hier gar die Rolle seiner Mutter einnimmt.

Das Werk Mela Mara, 2011 porträtiert die italienische Politikerin und das ehemalige Modell Mara Carfagna als die erste Menschenfrau Eva. Carfagna stammt nach eigener Aussage aus einer traditionell geprägten, konservativen Familie. Ihr Bruder ist jedoch Schönheits- chirurg. Angesichts dieser Tatsache gewinnt Venezianos Darstellung der nackten Carfagna mitsamt den Attributen Schlange und angebis- senem Apfel – „wie Gott sie schuf“ – an Brisanz. Soeben von der Frucht der Erkenntnis gegessen, prägt kein bewegter Ausdruck Carfagnas Gesicht, vielmehr wirken Gesicht und Oberkörper von Menschenhand „skulptiert“.

Den selbst für seine hintersinnige Kunst bekannte Künstler Maurizio Cattelan stellt Veneziano in einer höchst unwahrscheinlichen, jedoch urkomischen Situation dar – er guckt aus einer Toilettenschüssel heraus und legt die Hände auf den Toilettendeckel, als fragte er: CHE DIAVOLO?! (deutsch: Was solls?)

Wonder Woman Curvy, 2019 stellt wie der Titel besagt die kurvige Version der sonst gerstenschlanken Superheldin dar. Ihre Kurven werden mit einer Rich Bag in knalligem Rot, passend zu ihrem Outfit ergänzt.

Spider Man als Daddy mit seinem Mini-Me und dem dazugehörigen Statussymbol dem Kinderwagen. 

Die Big Girl-Arbeiten sind Skulpturen und Gemälde zugleich: schwere Aluminiumplatten, mit mehreren Schichten Acrylfarbe bemalt. Die sichtbaren Pinselstriche ergeben ein reliefartiges Bild, dessen Intensität und Formgebung je nach Standort des Betrachters wechselt. Diese neuen Arbeiten sind anders: Die freien, fast frechen Pinselstriche und die organischen Formen heben sich ab vom sonst nüchtern, geometrischen Werk Imi Knoebels. Sie atmen einen fast rebellischen Geist, den einer Wiederentdeckung der Malerei, der Sinnlichkeit der Formen. 

In manchen von Ihnen spielt der Künstler mit einer speziellen gelben Farbe, die den Bildern Leuchtkraft gibt. Was der Ausstellungsbesucher nicht weiß: Wenn sie lange genug einer Lichtquelle ausgesetzt waren, leuchten die Bilder im Dunkeln. Das wirkt beinahe wie ein verschmitztes Augenzwinkern des Künstlers. Eine spielerische Freude, die den Werken Jugendlichkeit verleiht. 

Die Arbeiten sind Skulpturen und Gemälde zugleich: schwere Aluminiumplatten, mit mehreren Schichten Acrylfarbe bemalt. Die sichtbaren Pinselstriche ergeben ein reliefartiges Bild, dessen Intensität und Formgebung je nach Standort des Betrachters wechselt. Diese neuen Arbeiten sind anders: Die freien, fast frechen Pinselstriche und die organischen Formen heben sich ab vom sonst nüchtern, geometrischen Werk Imi Knoebels. Sie atmen einen fast rebellischen Geist, den einer Wiederentdeckung der Malerei, der Sinnlichkeit der Formen. 

In manchen von Ihnen spielt der Künstler mit einer speziellen gelben Farbe, die den Bildern Leuchtkraft gibt. Was der Ausstellungsbesucher nicht weiß: Wenn sie lange genug einer Lichtquelle ausgesetzt waren, leuchten die Bilder im Dunkeln. Das wirkt beinahe wie ein verschmitztes Augenzwinkern des Künstlers. Eine spielerische Freude, die den Werken Jugendlichkeit verleiht.