Bamberger Kunst und Antiquitäten GbR

Cornelia Schleime (*1953, Ost-Berlin) gilt als Hauptvertreterin der zeitgenössischen fgurativen Malerei und zählt zu den bekanntesten deutschen Künstlerinnen. Vielbeachtet sind ihre eindringlich entwickelten Portraits, insbesondere von Frauen und Kindern, aber auch von Clowns oder dem Papst.

Als Künstlerin will Cornelia Schleime die Grenzen zwischen Außen- und Innenwelt aufheben. "Halt gibt mir das Unvorhersehbare, Irrationale, Fragile, Zufällige, Eruptive“. Schleime spielt mit Vorurteilen und provoziert, indem sie brisante Fragen aufwirft. In Interviews spricht sie über ihre Erfahrungen mit sich-verstellen und sich inszenieren. Die dualistischen Konzepte ihrer Werke rühren von einer neusachlichen Auffassung. Die Gleichzeitigkeit von Nähe und Distanz oder aber auch Topoi wie »zwischenmenschliche Kälte« und »unbeschränkter Verkehr«. Der für die Neue Sachlichkeit zwischen den beiden Weltkriegen charakteristische, spielerische Umgang mit Zitaten scheint angesichts von Schleimes Werk nach wie vor aktuell zu sein, ebenfalls die ständige Rückgewinnung des Figürlichen. Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Seit 1986 war Schleime in über 200 Gruppen- und über 80 Einzelausstellungen zu sehen. Ihre Bilder befnden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden oder der Sammlung des Deutschen Bundestags.

Cornelia Schleime (*1953, Ost-Berlin) gilt als Hauptvertreterin der zeitgenössischen fgurativen Malerei und zählt zu den bekanntesten deutschen Künstlerinnen. Vielbeachtet sind ihre eindringlich entwickelten Portraits, insbesondere von Frauen und Kindern, aber auch von Clowns oder dem Papst.

Als Künstlerin will Cornelia Schleime die Grenzen zwischen Außen- und Innenwelt aufheben. "Halt gibt mir das Unvorhersehbare, Irrationale, Fragile, Zufällige, Eruptive“. Schleime spielt mit Vorurteilen und provoziert, indem sie brisante Fragen aufwirft. In Interviews spricht sie über ihre Erfahrungen mit sich-verstellen und sich inszenieren. Die dualistischen Konzepte ihrer Werke rühren von einer neusachlichen Auffassung. Die Gleichzeitigkeit von Nähe und Distanz oder aber auch Topoi wie »zwischenmenschliche Kälte« und »unbeschränkter Verkehr«. Der für die Neue Sachlichkeit zwischen den beiden Weltkriegen charakteristische, spielerische Umgang mit Zitaten scheint angesichts von Schleimes Werk nach wie vor aktuell zu sein, ebenfalls die ständige Rückgewinnung des Figürlichen. Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und

Auszeichnungen. Seit 1986 war Schleime in über 200 Gruppen- und über 80 Einzelausstellungen zu sehen. Ihre Bilder befnden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden oder der Sammlung des Deutschen Bundestags.

Cornelia Schleime (*1953, Ost-Berlin) gilt als Hauptvertreterin der zeitgenössischen fgurativen Malerei und zählt zu den bekanntesten deutschen Künstlerinnen. Vielbeachtet sind ihre eindringlich entwickelten Portraits, insbesondere von Frauen und Kindern, aber auch von Clowns oder dem Papst.

Als Künstlerin will Cornelia Schleime die Grenzen zwischen Außen- und Innenwelt aufheben. "Halt gibt mir das Unvorhersehbare, Irrationale, Fragile, Zufällige, Eruptive“. Schleime spielt mit Vorurteilen und provoziert, indem sie brisante Fragen aufwirft. In Interviews spricht sie über ihre Erfahrungen mit sich-verstellen und sich inszenieren. Die dualistischen Konzepte ihrer Werke rühren von einer neusachlichen Auffassung. Die Gleichzeitigkeit von Nähe und Distanz oder aber auch Topoi wie »zwischenmenschliche Kälte« und »unbeschränkter Verkehr«. Der für die Neue Sachlichkeit zwischen den beiden Weltkriegen charakteristische, spielerische Umgang mit Zitaten scheint angesichts von Schleimes Werk nach wie vor aktuell zu sein, ebenfalls die ständige Rückgewinnung des Figürlichen. Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und

Auszeichnungen. Seit 1986 war Schleime in über 200 Gruppen- und über 80 Einzelausstellungen zu sehen. Ihre Bilder befnden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden oder der Sammlung des Deutschen Bundestags.

Die Serie der Anima-Mundi-Bilder 

Es gibt zu denken, wenn Imi Knoebel, der Grand Seigneur einer radikal gegenstandslosen Kunst eine der aktuellen vielleicht schönsten Bildserien seines Oevres als Anima Mundi bezeichnet; mit einem philosophischen Begriff also, der zu den zentralen Begriffen der abendländischen Metaphysik zählt. Man mag darin Spiel und Zufall eines bloßen Titels sehen, dem wenig Bedeutung zu entnehmen ist und der buchstäblich an der Oberfläche bleibt. Daher überlässt man sich zunächst besser ganz und allein der Betrachtung dieser Bilder, die, wenn es gelingt, in der Tat in den Kosmos eines gegenstandslosen Denkens führen; eines Denkens, für welches die Bilder streng genommen, wiederum nur den äußeren Anlass geben. 

Die Arbeiten sind Skulpturen und Gemälde zugleich: schwere Aluminiumplatten, mit mehreren Schichten Acrylfarbe bemalt. Die sichtbaren Pinselstriche ergeben ein reliefartiges Bild, dessen Intensität und Formgebung je nach Standort des Betrachters wechselt. Diese neuen Arbeiten sind anders: Die freien, fast frechen Pinselstriche und die organischen Formen heben sich ab vom sonst nüchtern, geometrischen Werk Imi Knoebels. Sie atmen einen fast rebellischen Geist, den einer Wiederentdeckung der Malerei, der Sinnlichkeit der Formen. 

In manchen von Ihnen spielt der Künstler mit einer speziellen gelben Farbe, die den Bildern Leuchtkraft gibt. Was der Ausstellungsbesucher nicht weiß: Wenn sie lange genug einer Lichtquelle ausgesetzt waren, leuchten die Bilder im Dunkeln. Das wirkt beinahe wie ein verschmitztes Augenzwinkern des Künstlers. Eine spielerische Freude, die den Werken Jugendlichkeit verleiht. 

Die Big Girl-Arbeiten sind Skulpturen und Gemälde zugleich: schwere Aluminiumplatten, mit mehreren Schichten Acrylfarbe bemalt. Die sichtbaren Pinselstriche ergeben ein reliefartiges Bild, dessen Intensität und Formgebung je nach Standort des Betrachters wechselt. Diese neuen Arbeiten sind anders: Die freien, fast frechen Pinselstriche und die organischen Formen heben sich ab vom sonst nüchtern, geometrischen Werk Imi Knoebels. Sie atmen einen fast rebellischen Geist, den einer Wiederentdeckung der Malerei, der Sinnlichkeit der Formen. 

In manchen von Ihnen spielt der Künstler mit einer speziellen gelben Farbe, die den Bildern Leuchtkraft gibt. Was der Ausstellungsbesucher nicht weiß: Wenn sie lange genug einer Lichtquelle ausgesetzt waren, leuchten die Bilder im Dunkeln. Das wirkt beinahe wie ein verschmitztes Augenzwinkern des Künstlers. Eine spielerische Freude, die den Werken Jugendlichkeit verleiht. 

Spider Man als Daddy mit seinem Mini-Me und dem dazugehörigen Statussymbol dem Kinderwagen. 

Wonder Woman Curvy, 2019 stellt wie der Titel besagt die kurvige Version der sonst gerstenschlanken Superheldin dar. Ihre Kurven werden mit einer Rich Bag in knalligem Rot, passend zu ihrem Outfit ergänzt.

Den selbst für seine hintersinnige Kunst bekannte Künstler Maurizio Cattelan stellt Veneziano in einer höchst unwahrscheinlichen, jedoch urkomischen Situation dar – er guckt aus einer Toilettenschüssel heraus und legt die Hände auf den Toilettendeckel, als fragte er: CHE DIAVOLO?! (deutsch: Was solls?)

Aufwändig furniert in Bois de Rose und Mahagoni sowie zahlreichen weiteren teils kolorierten, brandschattierten und gravierten Edelhölzern, prunkvoll feuervergoldete Bronzeapplikationen und -zierkanten, profilierte, originale Brèche d‘Alep-Marmorplatte als Abdeckung.

Unter der Platte mit Schlagstempel signiert.

Die kunstvoll in den vierfach gespiegelten Furnierfond eingelegte Ornamentik an der Front „sans traverse“ sowie den Seiten des Möbels entspricht höchsten Ansprüchen an ein höfisches Salonstück. Im Furnier überwiegen großflächige Gebinde aus Blütenzweigen mit fantasievoller Rahmung aus Muscheln und geschuppten Bändern. Die an den Kanten des Möbels entlangfließenden Applikationen mit bewegt geschwungenen Rocaillen ergänzen die intarsierten Motive der repräsentativen Kommode.

Aus französischem Adelsbesitz.

Höhe 86 cm, Breite 95 cm, Tiefe 53 cm.

Salverte, Les Ébénistes du XVIIIe siècle, Paris 1934, S. 180.

Mahagoni, Mooreiche, Ahorn furniert, Schlüsselschilder in Bein sowie originale, vergoldete Beschläge mit aufwändig emaillierten Plaketten.

Dass die Leipziger Werkstatt Friedrich Gottlob Hoffmanns seiner Zeit zurecht als bedeutendes Zentrum der Möbelherstellung galt, bezeugt dieses nur auf den ersten Blick schlichte Paar Kommoden. Aufwändige und ungewöhnliche Details ergänzen das ausgesuchte Furnierbild der dreischübigen Kommoden: die über Eck stehenden Beine, die in Lisenen mit furnierten Kanneluren übergehen, die fein intarsierten Bänder an den Kanten des Möbels und die eleganten Beschläge entsprachen dem erlesenen Geschmack höfischer Auftraggeber gegen Ende des 18. Jahrhunderts.

Hoffmann (1741-1806) ließ als erster Kunstschreiner 1789 ein illustriertes Verzeichnis der bei ihm bestellbaren Möbelstücke drucken und auf der Leipziger Messe verteilen. Je nach Geschmack des Auftraggebers konnten die Entwürfe in Furnier und Ausführung variiert werden, und es entstanden trotz der Bestellung nach dem Katalog repräsentative Einzelstücke für den Adel und das vermögende Bürgertum. Wunderbare Möbel Hoffmanns haben sich unter anderem in den Schlössern in Wörtlitz und Weimar erhalten.

Höhe 77 cm, Breite 68 cm, Tiefe 45 cm.

M. Sulzbacher u.a., Friedrich Gottlob Hoffmann (anlässlich der Ausstellung „Vornehmste Tischlerarbeiten aus Leipzig. F.G. Hoffmann – Hoftischler und Unternehmer“), Dresden 2014, S. 281 und 282.

Eingelegt mit in Rot und Grün koloriertem Birkenmaserholz, Nussholz, Ahorn und Zwetschge, original vergoldete Beschläge.

In Aufbau und Dekoration entspricht das Schreibmöbel einer unter dem Fachbegriff „Erfurter Möbel“ zusammengefassten Gruppe vergleichbar hochwertig ausgeführter Kommoden und Schränke. Die Intarsien mit zwei großen, galanten Schäferszenen in Landschaften mit Ruinenarchitektur sind von außerordentlich feinen, in Schwarzlot gemalten Rokoko-Ornamenten gerahmt. Wurden – überwiegend bei italienischen Möbeln – Kupferstiche in Arte-Povera-Manier auf die Möbel aufgebracht, so wurde dieser Sekretär in einer Kombination aus Intarsie und kunstvoller Bemalung dekoriert.

Die dafür notwendigen Arbeitsschritte wurden von jeweils spezialisierten Kunsthandwerkern ausgeführt. Nur im Zusammenspiel von Marketeur und Maler konnte dieses repräsentative Möbel in solcher Perfektion gefertigt werden. Ein Gegenstück vergleichbarer Qualität aus dem Besitz der Fürsten und Grafen Schönburg wird im Schlossmuseum in Glauchau aufbewahrt. Dieser Sekretär ist abgebildet bei Kreisel/Himmelheber.

Höhe 200 cm, Breite 131 cm, Tiefe 70 cm.

Kreisel, Die Kunst des deutschen Möbels, München 1973, Bd. 2, Abb. 904 als „Erfurter Schreibschrank“.

Voigt, Möbel aus schönburgischen Schlössern, Glauchau 2003, S. 55-69.

Ausgesuchte Furniere in Palisander, Rosenholz und weiteren Edelhölzern, qualitätvolle, vergoldete Bronzeapplikationen und -zierprofile, als Abdeckung die originale Brèche d‘Alep-Marmorplatte.

Mit Schlagstempel signiert. Das Schreibmöbel bezeugt in seiner kunstvollen Verarbeitung der Furniere, in der Verwendung der bronzenen Ornamente und in seiner klassischen Formgebung die hervorragende Arbeit Ohnebergs (geboren um 1738, Meister 1773), von dem wertvolle Kommoden im Transition- und Louis-XVI-Stil erhalten und in der Literatur nachgewiesen sind.

Eine aufwändig von Ohneberg mit Musikinstrumenten intarsierte Kommode im Übergangsstil wird heute im Louvre aufbewahrt. Zu dem hier gezeigten Sekretär gehört eine herausnehmbare, abschließbare Kassette im zweitürigen Unterteil, die Schreibplatte ist mit goldgeprägtem Leder bespannt und verbirgt Ablagefächer und vier kleine Schubladen. Besonders aufwändig gestaltet ist die Kannelierung der Kopfschublade.

Höhe 142 cm, Breite 82 cm, Tiefe 41 cm.

Kjellberg, Le Mobiliare française du XVIIIe siècle, Paris 1998, S. 623-628.

Nuss, Königsholz und Ahorn sowie weitere gefärbte, teils gravierte und schwarz konturierte Hölzer.

Platte und Front der qualitätvollen, zweischübigen Kommode zeigen die für die Spindler-Werkstatt so charakteristische Gliederung in je drei von Rocaillen gerahmte Kartuschen. Das präzise gearbeitete Würfelparkett wird ergänzt von großen, mit Schleifen gebundenen Blumensträußen, auf der Front von einem üppigen Bouquet im Flechtkorb und auf der Mittelkartusche der Platte von einem Brunnen mit Nereide und Putto vor Maserholzfond. Originale, feuervergoldete und versilberte Bronzebeschläge mit dem Wappen der Freiherren von Plotho ergänzen das meisterliche Furnier.

Erich Christoph Edler Herr und Freiherr von Plotho (1707-1788) wurde 1754 von Friedrich dem Großen zum preußischen Staatsminister ernannt und als brandenburgischer Gesandter während des Siebenjährigen Krieges nach Regensburg abgeordnet. Von dort aus unternahm er zahlreiche diplomatische Reisen an süddeutsche und österreichische Fürstenhöfe. Diese Kontakte hatten nicht nur Einfluss auf seine politische Karriere sondern führten ihn zu einem kultivierten Geschmack für luxuriöse Einrichtungsobjekte und Kunstgegenstände, wie diese repräsentative Kommode bezeugt. Seine Frau Charlotte Wilhelmine Eleonore Freiin von Bodenhausen brachte mehrere, in den Markgrafschaften Ansbach und Bayreuth gelegene Güter in die 1743 geschlossene Ehe ein, auf die er sich nach seinem Abschied aus den Diensten des Königs zurückzog.

Die Kommode ist bei Kreisel/Himmelheber publiziert und abgebildet.

Höhe 80,5 cm, Breite 140 cm, Tiefe 64 cm.

Abgebildet bei Kreisel, Die Kunst des deutschen Möbels, München 1973, Bd. 2, Abb. 790.

Sangl, „Spindler?“, in: Journal of the Furniture History Society, Leeds 1992, Vol. XXVII, S. 22-66.