Bamberger Kunst und Antiquitäten GbR

Deutschland, um 1730

Im Umriss geschweifte Kartuschenform mit konvex-konkav getriebener Wandung und profilierten Rändern.

Der Deckel und Boden aus poliertem, transluzidem honigbraunem Achat. Auf den Wandungen passige Reserven mit ziseliertem Muschelwerk und feinen Blüten. Der reliefierte Drücker ist als Rocaille gearbeitet.

Französische Importmarke „Charancon“ für Feingehalt 750 (Tary 173).

Golddosen in dieser eleganten Ausführung waren begehrte Sammlungsstücke und auch immer wieder wertvolle Geschenke.

2,3 x 6,5 x 5,8 cm.

Flandern, um 1630

Die in Wolle und Seide ausgeführte Tapisserie ist mit ihrer originalen Rahmenbordüre erhalten. In einer Palastarchitektur wird eine höfische, orientalische Vermählungszeremonie dargestellt.

Die großflächige, perspektivische Schilderung des Raumes mit der eleganten Hochzeitsgesellschaft zeigt das hohe Können der flämischen Gobelin-Manufakturen des frühen 17. Jahrhunderts, was die Nachfrage nach diesen Arbeiten in ganz Europa erklärlich macht.

Vorlagen berühmter Künstler, sogenannte Kartons, wie zum Beispiel von Peter Paul Rubens und Jakob Jordeans haben die Manufakturen stark inspiriert.

337 cm x 455 cm.

Augsburg, Johann Heinrich Busch, 1807 bis 1810

Silber, getrieben, gegossen, ziseliert und innen vergoldet. Bestehend aus großer Kaffeekanne, Heißmilchkanne und Teekanne.

Gepunzt mit den BZ: Augsburg 1807/08 bzw. 1809/10, MZ: Johann Heinrich Busch (1807-1810).

Die vasenförmigen Kannen mit geschwungener Tülle und aufwändigen Holzgriffen sind auf ihren Wandungen mit üppigen floralen Bordüren dekoriert und in sehr hoher Qualität ausgeführt.

Eine Terrine von Johann Heinrich Busch befindet sich in der Silberkammer der Münchner Residenz.

Lit. Seling III, Nr. 2940, 2960, 2662.

Höhe Kaffeekanne 34 cm,

Höhe Heißmilchkanne 25 cm,

Höhe Teekanne 20 cm.

Gesamtgewicht 2598 g.

Berlin, Joachim II. Hübener, um 1750

Silber; teilvergoldet. Konischer Becher auf eingezogenem Fuß mit ausgestelltem Lippenrand.

Die Wandung mit flach getriebenen Blattmuscheln und Gitterwerk zwischen 18 brandenburgischen und polnischen Münzen, vornehmlich des 16. Jahrhunderts.

Marken: BZ Berlin um 1737 - 57, MZ Joachim Hübener II (1737 - 80), Tremolierstich.

Die Fertigung solcher Münzbecher war immer besonders kostbar, weil massiv silberne Münzen in die Wandung eingearbeitet wurden und damit Teil der Dekoration des Bechers geworden sind.

Ein weiterer Münzbecher des Meisters hat sich in einer Berliner Privatsammlung erhalten.

Lit. Vgl. Scheffler Berlin, Nr. 5, Abb. 10.

Höhe 10,5 cm,

Gewicht 159 g.

Nürnberg, um 1600

Die großen Wandarme sind durch aufwändige Blattdekorationen bereichert und die glockenfußartigen Halterungen floral dekoriert.

Die Nürnberger Gelbgußzunft war in dieser Zeit hochgeschätzt und sehr erfolgreich. Ihre Produkte wurden über die internationalen Handelswege von Nürnberg aus vertrieben.

Tiefe 50 cm.

Süddeutschland, um 1780

Dieser seltene Modellschrank ist allseitig in Nußbaum gearbeitet, hat die originalen Beschläge, sowie Schloss und Schlüssel.

Die Tür ist mit profilierten Kassetten gearbeitet und allseitig sind klassizistische Schnitzereien ausgeführt.

Es handelt sich um ein Möbel für ein Puppenhaus und ist in Süddeutschland um 1780 entstanden.

Höhe 27 cm, Breite 30 cm, Tiefe 15 cm.

wohl Dresden, Mitte 18. Jahrhundert

Achat mit fein gravierten und original vergoldeten Beschlägen und Montierungen. Sowohl das originale Schnappschloß als auch Schlüssel sind vorhanden.

Der gerade Korpus aus Achat mit passig geschweifter Front und zwei Schubladen, die durch bombierte Traversen unterteilt werden, steht auf vergoldeten prankenförmigen Füßen. Die polierte Deckplatte ist dem Korpus entsprechend geschweift.

Es handelt sich hier um ein kostbares Vitrinenstück, ein exklusives Object´d Art in Form einer kleinen Kommode in ungewöhnlich edlem, wertvollem Material.

Höhe 9 cm, Breite 15 cm, Tiefe 8 cm.

Paris, um 1820

Die Pariser Arbeit ist in sehr schöner Bronze-qualität äußerst fein ziseliert und allseitig sehr qualitätvoll feuervergoldet, partiell mit polierten und unpolierten Partien.

Auf rechteckigem Sockel und Postament mit Applikationen steht ein Lyra-förmiges Uhrengehäuse mit reich ziseliertem Dekor, als Bekrönung von zwei Fabelwesen getragenes Feston mit der Büste Apolls.

Durchbrochenes Ziffernblatt mit arabischen Zahlen in Emailkartuschen, Halbstundenschlagwerk auf Glocke.

53 x 18,5 x 12,5 cm.

Der in Trier lebende Bodo Korsig (*1962, Zwickau) gehört zweifellos zu den unkonventionellsten deutschen Künstlern der Gegenwart, dessen Oeuvre wie kaum ein anderes den Spagat zwischen Sensibilität und Brutalität meistert. Sein Werk umfasst Videokunst, Rauminstallationen, Skulpturen, Malerei, Druckgrafik, sowie Fotografie und Kunstbücher. Korsig erforscht in seiner Arbeit die Grenzen von Philosophie und Wissenschaft, indem er die persönliche Identität hinterfragt, wie der menschliche Geist zusammengesetzt ist und wie diese Grenzen, zum Beispiel durch Extrembedingungen beeinfusst werden können. 

Der in Trier lebende Bodo Korsig (*1962, Zwickau) gehört zweifellos zu den unkonventionellsten deutschen Künstlern der Gegenwart, dessen Oeuvre wie kaum ein anderes den Spagat zwischen Sensibilität und Brutalität meistert. Sein Werk umfasst Videokunst, Rauminstallationen, Skulpturen, Malerei, Druckgrafik, sowie Fotografie und Kunstbücher. Korsig erforscht in seiner Arbeit die Grenzen von Philosophie und Wissenschaft, indem er die persönliche Identität hinterfragt, wie der menschliche Geist zusammengesetzt ist und wie diese Grenzen, zum Beispiel durch Extrembedingungen beeinfusst werden können. 

Der in Trier lebende Bodo Korsig (*1962, Zwickau) gehört zweifellos zu den unkonventionellsten deutschen Künstlern der Gegenwart, dessen Oeuvre wie kaum ein anderes den Spagat zwischen Sensibilität und Brutalität meistert. Sein Werk umfasst Videokunst, Rauminstallationen, Skulpturen, Malerei, Druckgrafik, sowie Fotografie und Kunstbücher. Korsig erforscht in seiner Arbeit die Grenzen von Philosophie und Wissenschaft, indem er die persönliche Identität hinterfragt, wie der menschliche Geist zusammengesetzt ist und wie diese Grenzen, zum Beispiel durch Extrembedingungen beeinfusst werden können. 

Der in Trier lebende Bodo Korsig (*1962, Zwickau) gehört zweifellos zu den unkonventionellsten deutschen Künstlern der Gegenwart, dessen Oeuvre wie kaum ein anderes den Spagat zwischen Sensibilität und Brutalität meistert. Sein Werk umfasst Videokunst, Rauminstallationen, Skulpturen, Malerei, Druckgrafik, sowie Fotografie und Kunstbücher. Korsig erforscht in seiner Arbeit die Grenzen von Philosophie und Wissenschaft, indem er die persönliche Identität hinterfragt, wie der menschliche Geist zusammengesetzt ist und wie diese Grenzen, zum Beispiel durch Extrembedingungen beeinfusst werden können. 

Der in Trier lebende Bodo Korsig (*1962, Zwickau) gehört zweifellos zu den unkonventionellsten deutschen Künstlern der Gegenwart, dessen Oeuvre wie kaum ein anderes den Spagat zwischen Sensibilität und Brutalität meistert. Sein Werk umfasst Videokunst, Rauminstallationen, Skulpturen, Malerei, Druckgrafik, sowie Fotografie und Kunstbücher. Korsig erforscht in seiner Arbeit die Grenzen von Philosophie und Wissenschaft, indem er die persönliche Identität hinterfragt, wie der menschliche Geist zusammengesetzt ist und wie diese Grenzen, zum Beispiel durch Extrembedingungen beeinfusst werden können. 

Neapel, Mitte 18. Jahrhundert

Die Büsten der Putti sind aus gebranntem Ton und fein farbig staffiert.

Das pausbäckige Engelspaar ist mit kräftigen Flügeln ausgestattet und hat die originale Fassung aus der Entstehungszeit.

Die kleine Skulptur zeigt die hohe Kunstfertigkeit der neapolitanischen Künstler, die mit leuchtenden Farben im 18. Jahrhundert berühmt für ihre Krippen, die dazugehörigen Figuren, Tiere, Architektur und Beiwerk waren.

Unser Puttenpaar könnte als Bekrönung, über der Krippe mit dem darin liegenden Jesuskind am Stall von Bethlehem geschwebt haben.

Höhe 7,5 cm, Breite 7,5 cm.

Österreich, wohl Tirol, um 1700

Der sehr lebensvoll in Nussbaum geschnitzte, liegende Löwe zeigt eine feine Fellzeichnung auf seiner gesamten Oberfläche. Die originale Patina hat sich auf der Skulptur sehr gut erhalten.

Es ist schwer zu sagen, ob diese Kleinplastik zu einem Kunstwerk, einem ungewöhnlichen Möbel, oder zur Dekoration in einer Raumausstattung Verwendung fand.

Länge 40 cm.

Oberschwaben, um 1630, Jörg und Michael Zürn zugeschrieben

Die vollplastisch gearbeitete Madonna aus Lindenholz steht auf einem reich geschwungenen Sockel mit dem Christuskind auf dem Arm.

Üppige Faltenwürfe ihres Gewandes rahmen die intime Darstellung der Mutter mit ihrem Kind. Sie verweist mit einem Zepter in der Hand anmutig und doch würdevoll auf das Wunder auf ihrem Arm. Das Christuskind schaut den Betrachter an und ist mit der Weltkugel in der Hand der Ausdruck der göttlichen Gnade.

Aus der bedeutenden Werkstatt der Bildhauerfamilie Zürn am Bodensee haben sich neben großen kirchlichen Aufträgen, wie der Marienaltar im Münster in Überlingen und Arbeiten in Kloster Salem, auch Skulpturen erhalten, die eher der privaten Andacht dienten.

Höhe 22,5 cm.

Kloster Mondsee/Salzburg, Meinrad Guggenbichler, um 1700

Lindenholz, geschnitzt. Die originale Farbfassung und Vergoldung hat sich bewahrt.

Johann Meinrad Guggenbichler (Einsiedeln 1649 – 1723 Mondsee) war Sohn eines Steinbildhauers und Baumeisters. Er ging in Dillingen in die Lehre. Ab 1678 arbeitete er als Stiftsbildhauer für das Kloster Mondsee. Der erfolgreiche, hochgeschätzte M. Guggenbichler erhielt ab 1700 bedeutende Aufträge des Fürstbischofs von Salzburg.

Die hier gezeigten großen Skulpturen könnten Assistenzfiguren von einem Altar gewesen sein oder Architekturelemente einer profanen, fürstlichen Raumausstattung.

Höhe 70 cm, Breite 38 cm.

17. Jahrhundert, Adam Lenkhardt zugeschrieben

Elfenbein, vollplastisch ausgeführt.

Auf einem oktogonalen Holzsockel steht die nur mit einem Lendentuch bekleidete Göttin Venus, die liebevoll auf den Amorknaben niederschaut, der ihr triumphierend lächelnd den Apfel des Paris reicht.

Diese qualitätvolle Kleinplastik wird traditionell Adam Lenkhardt (Würzburg 1610-1661 Wien), einem der bedeutenden Vertreter der barocken Elfenbeinschnitzerei, zugeschrieben.

Nach der Lehre bei seinem Vater, Nikolaus Lenkhardt, bereiste Adam Italien und ließ sich 1638 in Wien nieder, wo er von 1642 bis 1660 zum Kammerbildhauer des Fürsten Karl Eusebius von Liechtenstein avancierte. Er schuf sehr qualitätvolle Kleinplastiken sowohl mit profanen als auch mit sakralen Motiven.

Höhe 31,5 cm.

Der in Trier lebende Bodo Korsig (*1962, Zwickau) gehört zweifellos zu den unkonventionellsten deutschen Künstlern der Gegenwart, dessen Oeuvre wie kaum ein anderes den Spagat zwischen Sensibilität und Brutalität meistert. Sein Werk umfasst Videokunst, Rauminstallationen, Skulpturen, Malerei, Druckgrafik, sowie Fotografie und Kunstbücher. Korsig erforscht in seiner Arbeit die Grenzen von Philosophie und Wissenschaft, indem er die persönliche Identität hinterfragt, wie der menschliche Geist zusammengesetzt ist und wie diese Grenzen, zum Beispiel durch Extrembedingungen beeinfusst werden können. 

Frankfurt am Main, um 1755, sig. Christian Georg Schütz d. Ä.

In einer großen idyllischen Flusslandschaft sind antike Ruinen und eine Schlossanlage dargestellt, die Mitte des Bildes wird durch einen rastenden Schäfer belebt, die rechte Seite zeigt reiche Vegetation vor einer hügeligen Uferlandschaft im Hintergrund.

Christian Georg Schütz d. Ä. (Flörsheim 1718– 1791 Frankfurt am Main) war Fresko- und Fassadenmaler, der während seiner Wanderjahre an den Fürstenhöfen von Hohenzollern-Hechingen und Nassau-Saarbrücken tätig war, bevor er sich 1743 in Frankfurt niederließ. Er unternahm Studienreisen an den Rhein und in die Schweiz.

Um 1750 arbeitete er für den Herzog zu Braunschweig-Lüneburg und den Landgrafen von Hessen für die Residenzen in Kassel. Sehr beliebt und verbreitet waren in der Goethe-Zeit seine meist idealen, romantischen vom Mittelrhein beeinflussten Landschaften, die häufig in Öl auf Leinwand ausgeführt waren. Eine weitere Arbeit hat sich unter anderem in Schloss Wilhelmshöhe in Kassel erhalten.

Öl auf Leinwand.

96 x 171 cm

Flandern, um 1640

Öl auf Leinwand, doubliert.

Von einem erhöhten Standpunkt aus öffnet sich ein weiter Blick in eine tiefe Flusslandschaft, die mit einer Burganlage und einer Häuserreihe auf der linken Bildhälfte, sowie Landleuten und einem Jäger auf der rechten Seite belebt wird.

Die Tiefe des grün-bläulichen Hintergrundes wird durch einen starken, runden Wehrturm verstärkt, der im Fluss steht und über einen Holzsteg zu erreichen ist. Im Vordergrund kontrastiert eine Baumlandschaft die Tiefe mit dramatischer Wolkenformation im Hintergrund.

96 x 138 cm. In teilvergoldetem alten Rahmen

Anton Raphael Mengs und Werkstatt, um 1750

Öl auf Leinwand.

Das repräsentative Portrait zeigt die sächsische Kurprinzessin (1724-1780) in kostbarem, brokatverziertem Kleid mit blauem Hermelinmantel und roter Schärpe. Sie trägt den Stern des russischen Katharinenordens und den österreichischen Sternkreuzorden.

Die Kurprinzessin war die Tochter des Kurfürsten und späteren Kaisers Karl Albrecht von Bayern und war seit 1747 Ehefrau des Kurfürsten Friedrich Christian von Sachsen, dessen Portrait von Mengs als Gegenstück gemalt wurde.

Es hat sich die Erstfassung aus der Werkstatt Mengs in den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden bewahrt. Eine weitere Fassung wird im Nachlass des Malers 1779 in ähnlicher Qualität beschrieben, so dass die Vermutung im Raum steht, das hier gezeigte Portrait könne möglicherweise aus dem Nachlass des Malers stammen.

Anton Raphael Mengs (Böhmen 1728 – 1779 Rom) wird als Sohn des sächsischen Hofmalers Ismael Mengs geboren und erfährt frühe Förderung durch sein Elternhaus. Von 1741 bis 1744 hielt er sich mit seinem Vater zum Antikenstudium in Rom auf. Er war von 1745 bis 1761 Hofmaler von August III., König von Polen und Kurfürst von Sachsen, und von 1761 bis 1777 Hofmaler des spanischen Königs Karl III. Zu seinen Auftraggebern zählten die Markgräfin Wilhelmine von Bayreuth, Zarin Katharina II. und Kardinal Alessandro Albani.

Höhe 142,5, Breite 110,5 cm.

Carl Rothe, Breslau um 1834

Öl auf Leinwand, rückseitig bezeichnet.

Das Gemälde zeigt die zweite Frau von Herzog Eugen II. v. Württemberg-Oels (Oels 1788 – 1857 Karlsruhe), Herzogin Helene (Langenburg 1807 – 1880 Heinrichsruh bei Schleiz) mit drei ihrer vier Kinder: Wilhelm (1828-1869), Nikolaus (1833-1903) und Alexandrine (1829-1913), die spätere Äbtissin des adeligen Damenstiftes in Oberstenfeld.

Das Gemälde ist vor der Geburt ihres vierten Kindes Agnes (1835-1903) entstanden und wird dem Hofmaler Carl Rothe (Dresden 1810-1865 Liegnitz) zugeschrieben, der in Oels und Breslau als herzoglich württembergischer Hofmaler tätig war. Von ihm haben sich mehrere Portraits der Familie erhalten.

Höhe 136,5 cm, Breite 111 cm.

KREUZIGUNG CHRISTI

Donauschule, Umkreis Wolf Huber

(Feldkirch/ Vorarlberg, um 1485 – 1553 Passau)

um 1520

Tafelgemälde, Öl auf Holz

Höhe: 115 cm, Breite: 63,5 cm

Provenienz: Privatsammlung, Süddeutschland

Cornelia Schleime (*1953, Ost-Berlin) gilt als Hauptvertreterin der zeitgenössischen fgurativen Malerei und zählt zu den bekanntesten deutschen Künstlerinnen. Vielbeachtet sind ihre eindringlich entwickelten Portraits, insbesondere von Frauen und Kindern, aber auch von Clowns oder dem Papst.

Als Künstlerin will Cornelia Schleime die Grenzen zwischen Außen- und Innenwelt aufheben. "Halt gibt mir das Unvorhersehbare, Irrationale, Fragile, Zufällige, Eruptive“. Schleime spielt mit Vorurteilen und provoziert, indem sie brisante Fragen aufwirft. In Interviews spricht sie über ihre Erfahrungen mit sich-verstellen und sich inszenieren. Die dualistischen Konzepte ihrer Werke rühren von einer neusachlichen Auffassung. Die Gleichzeitigkeit von Nähe und Distanz oder aber auch Topoi wie »zwischenmenschliche Kälte« und »unbeschränkter Verkehr«. Der für die Neue Sachlichkeit zwischen den beiden Weltkriegen charakteristische, spielerische Umgang mit Zitaten scheint angesichts von Schleimes Werk nach wie vor aktuell zu sein, ebenfalls die ständige Rückgewinnung des Figürlichen. Schleime erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen. Seit 1986 war Schleime in über 200 Gruppen- und über 80 Einzelausstellungen zu sehen. Ihre Bilder befnden sich weltweit in Sammlungen, wie in der Gemäldegalerie der Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden oder der Sammlung des Deutschen Bundestags.