Bamberger Kunst und Antiquitäten GbR

Siebenbürgen, 16. Jahrhundert 

MZ: JOHANNES SCHYRMER, 1526

Silber, teilvergoldet 

Höhe: 23 cm 

DECKELBECHER MIT JAGDMOTIV

Deutschland, 19. Jahrhundert

Elfenbein, vergoldete Messing- und Kupfermontierungen.

Zylindrische Form, umlaufende Reliefdarstellung 

mit Jagdschloss und Wild.

Auf dem Deckel plastischer Hund. 

Höhe: 17 cm

TASCHENGLOBUS MIT MERIDIANRING

JAMES NEWTON

(tätig 1810-1868), signiert

London, datiert 1817

Holz, kolorierter Kupferstich auf Papier, Pappmaché, Messing; Rochenhautetui

Signiert: „Newtons New & Improved Terrestrial Pocket Globe“

Durchmesser: ca. 8 cm

Durchmesser des Etuis: ca. 9,5 cm

Literatur: Syndram, D.: Wissenschaftliche Instrumente und Sonnenuhren. Kunstgewerbesammlung der Stadt Bielefeld/Stiftung Huelsmann, München 1989, S. 66-67, Abb. V, Kat. Nr. 7.

DECKELHUMPEN MIT SCHLANGENHAUT-DEKOR

Stadtpunze: Augsburg

MZ: Daniel Zech (ca. 1587 – 1657)

Meister 1618

Silber, vergoldet, gegossen, getrieben

Höhe: 16,5 cm

Literatur: H. Seling, die Kunst der Augsburger Goldschmiede 1529-1868, 

Bd. 3, Verlag C.h. Beck, München 2007, S. 228-229, Nr. 1322.

In der Serie "Mutterliebe" setzt sich Adler intensiv mit ihren realen Modellen und deren Geschichten im Vorfeld Auseinander. Es geht um die Liebe der Mutter und damit einhergehende Verletzungen - ob mutwillig oder nicht. Der Werkzyklus besteht aus sechs Skulputren vom Kleinkind bis hin zur alten Frau.

Das Porträt der Tochter im Kleinkindalter ist titelgebend für die gesamte Werkgruppe: »Mutterliebe«. Mütterlichkeit wird hier mit der künstlerischen Suche nach Perfektion im wörtlichen und übertragenen Sinne gleichgesetzt. Angesichts einer womöglich übertriebenen mütterlichen Fürsorge drücken Gesicht, Statur und Gestik eine gewisse Melancholie aus. Der Kopf ist vollständig vom Hals getrennt, ebenfalls der linke Arm an zwei Stellen: unter der Schulter und am Handgelenk. Alle Bruchstellen werden zusammengefügt durch goldfarbene Klammern aus Draht. Der in seiner Seherfahrung erschütterte Betrachter begibt sich um die allansichtige Figur herum und entdeckt Verletzungen anderer Art: Sprünge im Material, mit Wucht angefügt und oberflächlich gekittet. Vielleicht wird der Betrachter jetzt aufatmen und getröstet sein, auf die Ebene des Materials zurückgeholt zu werden. Die Frage nach Verletzungen tieferer Natur, die ein Leben lang mitgetragen werden, wird unweigerlich bleiben.

In der Serie "Mutterliebe" setzt sich Adler intensiv mit ihren realen Modellen und deren Geschichten im Vorfeld Auseinander. Es geht um die Liebe der Mutter und damit einhergehende Verletzungen - ob mutwillig oder nicht. Der Werkzyklus besteht aus sechs Skulputren vom Kleinkind bis hin zur alten Frau.

Die porträtierte Rosalie erscheint in ihrer Entrücktheit unantastbar. Sie ist im jungen Erwachsenenalter – das Alter der großen Träume, aber auch der herben Enttäuschungen wie Liebesentzug. Ihre Mutter ersetzte sie als Teenager durch ein neues Kind und ließ sie zurück. Die ursprüngliche Gänze und Vollkommenheit werden unwiderruflich zerstört. Die kleinen goldfarbenen Metallklammern, weisen auf die (selbst-)verursachten Verletzungen hin. Liebt mich die Mutter nicht?, stellt sich Rosalie die Frage und es bleibt eine letzte Hoffnung symbolisiert durch ein Blütenblatt: Die Mutter liebt mich. 

In der Serie "Mutterliebe" setzt sich Adler intensiv mit ihren realen Modellen und deren Geschichten im Vorfeld Auseinander. Es geht um die Liebe der Mutter und damit einhergehende Verletzungen - ob mutwillig oder nicht. Der Werkzyklus besteht aus sechs Skulputren vom Kleinkind bis hin zur alten Frau.

Die Japanerin Seika ist in festlichem strahlendweißem Kimono porträtiert. Er ist links herum gebunden. So trägt man ihn in Japan nur bei der Hochzeit als auch bei im Todesfall. Von einer japanischen Ehefrau erwartet der gesellschaftliche Kanon, in stiller Demut und Bescheidenheit der Familie zu dienen. Somit lässt sich das Werk als die gefühlte Verschmelzung beider Anlässe interpretieren: Der Kimono scheint so eng gebunden, dass jedes freie Handeln unterbunden wird. Auch der Mund, mit goldfarbenen Metallklammern verschlossen, deutet auf eine stumm gemachte Dienerin hin. Trotz/wegen mütterlicher Liebe ist Seika traditionellen kulturellen Mustern zum Opfer gefallen und hat ihrer vorbestimmten Rolle nicht ausweichen können. 

Die Bildhauerin fängt den Moment ein, als die Protagonistin den Kopf wendet, um über die eigene Schulter hinweg nach hinten zu blicken. Auf diese Weise wird die Statik der Oberkörperachse durchbrochen und die Allansichtigkeit der Plastik virtuos hervorgehoben. Bewegung wird evoziert. Unweigerlich wird der Betrachter Seikas Blick folgen und die Skulptur umschreiten.

JOACHIM HENNE zugeschrieben 

(1630-1707)

FIGURENPAAR JESUSKIND UND JOHANNESKNABE

Deutsch, um 1675

Elfenbein

Höhe: 15 und 14 cm, auf runden Elfenbeinsockeln

HEILIGER GEORG MIT DEM DRACHEN

Süddeutschland, Schwaben, um 1480

Lindenholz, rückseitig gehöhlt, originale Fassung

Höhe: 77,5 cm

Südwestdeutsch, um 1520/30 (Frührenaissance)

Eichenholz geschnitzt und polychrom gefasst

Weitestgehend originale Fassung

Höhe: 27,5 cm

Werkstatt oder Umkreis des Nicolò Fumo (1647-1725)

Neapel, um 1690/1700

Holz, allseits beschnitzt und polychrom gefasst

Große Teile der originalen Fassung

Höhe (incl. Sockel): 109,5 cm

Provenienz: Süddeutscher Privatbesitz

Expertise: Dr. Markus Hörsch, Leipzig/Bamberg

Süddeutsch, um 1740

Lindenholz geschnitzt und polychrom gefasst

Weitestgehend originale Fassung

Höhe: 77 und 79 cm

Italien, Neapel, um 1720

Holz geschnitzt und polychrom gefasst

Weitestgehend originale Fassung

Höhe: 44 cm

WERKSTATT HANS HARDER

ZUSCHREIBUNG

(Schaffenszeit zwischen 1465-1485 in Südtirol, Sterzing) 

SCHMERZENSMANN ZWISCHEN ZWEI ENGELN

Südtirol, Sterzing, um 1480

Sockel aus dem 18. Jahrhundert

Höhe: 35 cm, Breite: 62 cm, Tiefe: 9 cm

Literatur: Erich Egg: Gotik in Tirol – die Flügelaltäre, Innsbruck 1985, Vergleiche Seiten: 235, 236, Abb Nr. 171.

Theodor Müller: Gotische Skulpturen in Tirol, Bozen/ Innsbruck/ Wien 1976, vgl. Seite 25, Abb Nr. 87.

Provenienz: Privatsammlung München, abbgebildet in: Unbekannte Kunstwerke im Münchner Privatbesitz, Nr. 358, Abb. Nr. 40.

La petite main - die kleine Hand, 1998

Die in der Galerie AOA;87 ausgestellten Papierarbeiten strahlen – reduziert auf dem Antlitz – Anmut, Stärke oder Provokation aus. Der Ausdruck wird durch für Schleimes charakteristische Lichtregie zusätzlich verstärkt. Die
Porträts wirken ausgewogen und klar, und erinnern nicht zuletzt
durch die Beleuchtung an Ikonenmalerei.

Die in der Galerie AOA;87 ausgestellten Papierarbeiten strahlen – reduziert auf dem Antlitz – Anmut, Stärke oder Provokation aus. Der Ausdruck wird durch für Schleimes charakteristische Lichtregie zusätzlich verstärkt. Die
Porträts wirken ausgewogen und klar, und erinnern nicht zuletzt
durch die Beleuchtung an Ikonenmalerei.

Die in der Galerie AOA;87 ausgestellten Papierarbeiten strahlen – reduziert auf dem Antlitz – Anmut, Stärke oder Provokation aus. Der Ausdruck wird durch für Schleimes charakteristische Lichtregie zusätzlich verstärkt. Die
Porträts wirken ausgewogen und klar, und erinnern nicht zuletzt
durch die Beleuchtung an Ikonenmalerei.

Pastoser Farbauftrag, ein Crescendo der Töne und
kompositionelle Überraschungen sind nur einige der Stilelemente,
die BetrachterInnen in den Bann ziehen. Unterteilt in »Köpfe«,
»Masken« und »Zöpfe«, werden in den Werken Motive neu
interpretiert, neu gewichtet und um neue Aspekte erweitert. Themen
wie Abgründe, Wünsche, Vorurteile werden mal gesellschaftskritisch
mal augenzwinkernd behandelt. Die Komposition "Rouge et noir" beschränkt sich wie die anderen Arbeiten auf die Potagonistin, die frotnal auf den Bildraum ausfüllend, durch den offenen Blickkontakt BetrachterInnen in einen Dialog hinein zieht. Die Maske als Schutz des wahren Ichs oder als Ausdruck dessen, was man sein möchte, verschleiert und verrät zu gleichen Teilen. Ob das Verdeckte nun zart oder stark ist, bleibt letztendlich eine Frage der
Interpretation.

Schleime äußert sich im Interview mit Christiane Bühling: »Die Gemeinsamkeit
aller Arbeiten ist der subjektive Ausgangspunkt, der meist aus dem
persönlichen Erleben entsteht. Die weitere Gemeinsamkeit ist
natürlich der Hang zur Übertreibung, zum Ironischen und
Theatralischen.« Die Künstlerin unterstreicht, dass Zeichnung und
die Techniken Aquarelle und farbige Tusche sehr ihrem Naturell
entsprechen – sie entstehen intuitiv, das Zarte kommt dabei heraus.
 

Inspirationen schöpft Cornelia Schleime aus dem Leben. In
Interviews spricht sie über ihre Erfahrungen mit Sich Verstellen und
Sich Inszenieren. Das Werk »Tropenfrau« ist ein Beispiel für den
ironischen Umgang der Malerin mit gesellschaftlichen Mustern und
Vorurteilen. Die Idee zu diesem Werk geht womöglich auf die Reise
nach Südamerika zurück. »Tropenfrau« untermauert Schleimes
Aussage, dass sie Erlebtes verarbeitet und dass sie Kunst und
Leben nicht trennt. Cornelia Schleime ist Teil eines jeden ihrer Bilder und lebt getreu dem Motto: Ich male, also bin ich. 

„Malines - Vue des Canaux“, (Ansicht des Kanals in Mechelen), signiert und datiert von Joseph Ignace van Hoey, 1879, (Belgischer Maler geb. 1810-1892).

Öl auf Leinwand

Höhe 48 cm, Breite 60 cm

Portrait von Johann Heinrich Roos (geb. 1631 in Otterberg, gest. 1685 in Frankfurt).

Öl auf Leinwand 

Höhe 106 cm, Breite 80 cm.

GABRIELE MÜNTER 

(1877 Berlin – 1962 Murnau am Staffelsee)

DORFSTRAßE MIT HUHN

um 1908

Öl auf Leinwand

Rückseitig Nachlassstempel, Bleistift L 376

Höhe: 17 cm, Breite: 10 cm 

Provenienz:

Nachlass Gabriele Münter;

Leonhard Hutton Galleries, New York (aus dem Nachlass erworben);

Privatbesitz Jane F. Sheets, Buffalo, New York

Das Werk ist von der Gabriele Münter und Johannes Eichner-Stiftung als Nr. L376 im Nachlass Gabriele Münters verzeichnet.